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Cursif 1, le dessin dans tous ses états

De l’automne 2011 à l’automne 2012, l’association des Conservateurs des Musées du Nord-Pas-de-Calais présente Dessiner-Tracer, un ensemble de manifestations exceptionnelles sur le thème du dessin. Cursif, revue en deux numéros, est pensée comme un espace de réflexion élargi de cette manifestation. Les deux numéros sont des plateformes de réflexions cherchant à rendre compte de l’aspect patrimonial  du projet tout en s’ouvrant à l’analyse, à la critique et à la création contemporaine. Conçu d’après les collections de dessins de l’Euro-région Nord-Pas-de-Calais, Picardie, Belgique, Dessiner – Tracer favorise une synergie entre les collections en valorisant leur complémentarité et leur diversité. Transdisciplinaire, Dessiner – Tracer propose une définition ouverte du dessin en mettant en lumière des collections d’art classique, d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut mais aussi des œuvres issues des milieux industriels, techniques et scientifiques. Cursif réunit des analyses d’œuvres ou d’ensembles emblématiques des collections, des contributions d’artistes et de philosophes, des réflexions ou analyses critiques proposées par des chercheurs spécialisés dans le dessin, des interviews de collectionneurs et d’amateurs, des paroles données à de jeunes artistes, des pages confiées à des créateurs.

En collaboration avec les musées du Nord-Pas-de-Calais  .

Sommaire : Cordélia Hattori & Émilie Ovaere-Corthay Pierre Rosenberg, Entretien / Bernard Moninot, Visites dessinées / Anne Boissière Réflexions préliminaires sur la ligne / Savine Faupin Adolf Wölfli, À propos d’un cahier et de deux morceaux de musique / Christine Desmoulins Jannick Thiroux, Itinéraire d’un collectionneur / Cordélia Hattori Don Volterrano / Jean Richelle Ordo Ab Chaos Delineando, Une histoire des dessins de tâches solaires / Laure Dalon Jules-Élie Delaunay, Petit échantillon d’un vaste ensemble / Mâkhi Xenakis & Denys Zacharopoulos Le Flambeau d’Antigone, Rencontre / Patrick Descamps Pierre-Antoine Verlinde, Histoire d’un donateur. Approche d’une collection / Barbara Forest Pat Andrea / Véronique Carpiaux Auguste Rodin – Félicien Rops, Une rencontre autour des embrassements humains / Laure Dalon Jean Restout, Une acquisition récente du musée de Picardie / Marion Daniel Jonathan Lasker, Prendre le dessin, dessiner la peinture / Viviane Desmet Marc de Sélys Longchamps, Les aquarelles d’Ascidies / Bernard Jordan & Claudia Schnitzer Le cabinet des estampes de Dresde, Rencontre / Laetitia Legros / Rafael Morales & Laurent Bavay Mission Louqsor, L’égyptologue et le dessinateur / Maud Le Garzic Vieira Contim & Yannick Courbès Watch This Space #6, Biennale jeune-création.

Descriptif : 19 x 24 cm, 128 pages, broché .
Langue : français.
Parution : novembre 2011.
Isbn : 978-2-35864-029-9.
Prix public : 19 €.

Raphaëlle Paupert-Borne, Rome, Paris, Constantine

Ce livre est le fruit des rencontres de Raphaëlle Paupert-Borne avec Rome, Marseille, Constantine et Paris. Raphaëlle Paupert-Borne, née en 1969 à Lyon, peint, dessine, filme, a fait des performances. Elle utilise la toile et le papier mais aussi le papier de nos chambres passées, les scènes de la vie qu’elle saisit dans de petits films qui viennent enchanter l’ordinaire du monde. Elle peint sur des photographies trouvées dont elle fait des grands tirages. Son œuvre se nourrit de son environnement, des proches et des anonymes croisés au détour des jours, de ses voyages, des paysages et de ce qu’ils traduisent comme « cadres » de vie. Il ne s’agit pas tant de le reproduire que d’en extraire des scènes, des gestes, des instants, des figures qui vont engendrer des tableaux et donner forme à un sentiment du monde, quand il s’incarne dans la peinture. Dans son œuvre protéiforme la peinture a toujours eu une place essentielle. Riche des voyages et séjours de Raphaëlle Paupert-Borne, elle irrigue ses autres pratiques tout en s’en nourrissant. Vincent Delecroix en fait l’axe central du texte dense et pénétrant qu’il consacre à son œuvre.

Publié à l’occasion de l’exposition Raphaëlle Paupert-Borne, Au fil des jours, le 19, Crac Montbéliard, 2011. Avec le 19, Crac Montbéliard, le Conseil  Général des Bouches-du-Rhône et la Ville de Marseille.

Auteurs : Philippe Cyroulnik, Vincent Delecroix  .
Descriptif : 22 x 16,5 cm, 160 pages, broché.
Langues : français, anglais.
Parution : octobre 2011.
Isbn : 978-2-35864-028-2.
Prix public : 26 €.

Damien Cabanes

L’exposition que lui consacre le musée d’Art moderne de Saint-Étienne métropole et sa nomination au Prix Marcel Duchamp mettent à l’honneur le travail de Damien Cabanes cet automne. La peinture entoure les pratiques de cet artiste (né à Paris en 1959) qui expérimente tout aussi facilement la sculpture que le dessin. Depuis la fin des années 80, chaque période associée à un lieu de travail le voit explorer un nouveau médium ou un nouveau geste jusqu’à épuisement de ses fondements et jusqu’à saturation de l’atelier : les peintures minimales, les taches colorées puis, après les damiers, les autoportraits, et à partir de 1994, l’abandon du travail bidimensionnel pour « un espace pictural multidimensionnel ». Les sculptures prennent la forme de cubes, de puits, de cônes, de boules, de tortillons en plâtre ou en polystyrène souvent peints et de personnages en terre cuite souvent émaillée. En 2006, Damien Cabanes retrouve aussi la peinture.

Publié en collaboration avec le musée d’Art moderne de Saint-Étienne métropole et la galerie Éric Dupont, Paris.

Auteurs :  Olivier Kaeppelin, Cyril Jarton.
Descriptif : 24,5 x 30,5 cm, 240 pages, relié.
Langues : français, anglais.
Parution septembre 2011.
Isbn : 978-2-35864-027-5.
Prix public : 37 €.

JC Ruggirello

L’œuvre de JC Ruggirello est traversée par une position curieuse, critique, résistante et lucide face au monde, à ses habitants tant humains qu’animaux, aux objets et aux médias. Ruggirello regarde le monde comme un sculpteur mais son œuvre multiforme se situe souvent dans le champ de la performance, travaillant sur l’espace, le son et la présence, tout en pratiquant l’art de l’assemblage. C’est souvent aussi avec la caméra que Ruggirello enregistre un quotidien insolite et pourtant familier. [Blandine Chavanne]

Publié avec le musée des Beaux-arts de Nantes, l’association Les Amis de Jau, l’association Rendez-vous, le Musée Régional d’Art Contemporain Languedoc-Roussillon (Sérignan), Vidéochroniques (Marseille), Le Creux de l’enfer, centre d’art contemporain (Thiers), la galerie Claudine Papillon (Paris), avec le soutien du Centre national des arts plastiques (aide à l’édition), ministère de la Culture et de la Communication, du conseil régional Paca et du conseil général des Bouches-du-Rhône.

Auteurs : Alain Berland, Géraldine Gourbe, Jean-Pierre Rehm.
Descriptif : 19 x 24 cm, 176 pages, broché .
Langues : français, anglais.
Parution juin 2011.
Isbn : 978-2-35864-023-7.
Prix public : 28 €.

Arnaud Vasseux

Approcher l’œuvre d’Arnaud Vasseux en se concentrant sur cette catégorie particulière des sculptures de grandes dimensions en plâtre non armé qu’il désigne du terme générique de Cassables, et dont les premiers exemples datent de 2004 (Homo Bulla), c’est se confronter, certainement, à son aspect le plus singulier, puisqu’il s’agit de se résoudre d’emblée à n’évoquer que des œuvres disparues.

Publié avec le soutien du Conseil général des Bouches-du-Rhône et de la ville de Marseille.

Auteurs : Cédric Loire, Fabien Faure, Mathieu Provansal.
Descriptif : 16,5 x 24 cm, 152 pages, broché, jaquette.
Langues : français, anglais.
Parution : mai 2011.
Isbn 978-2-35864-022-0.
Prix public : 26 €.

L’Art est un sport de combat

L’Art est un sport de combat, irrévérencieux détournement d’une formule empruntée à Pierre Bourdieu, s’est forgé à l’occasion d’un projet d’exposition au Musée des beaux-arts de Calais. Il s’agit, au sein de la question plus générale des relations de l’art contemporain et du sport, d’opérer un focus sur les sports de combat. En référence à la sculpture de Rodin, l’exposition aurait pu s’intituler Le Penseur est un athlète. Ce lien du corps et de l’esprit, cette vision synthétique et non séparée de l’être, qui caractérisent la vision de Rodin allaient servir de… socle au développement d’une réflexion sur quelques aspects de l’art actuel à partir des images, des formes et des attitudes issues du monde du sport et dont les artistes font un large usage. Si l’art est un sport de combat, et au-delà du slogan, c’est qu’il présente avec cette pratique un certain nombre d’analogies : l’engagement, la tension, l’affrontement, la rupture, entre autres. Ainsi, plutôt que de restreindre le propos, la référence aux sports de combat serait l’occasion de l’élargir et de montrer, à côté d’œuvres explicitement inspirées de la boxe, du kung-fu ou du catch, des travaux fondés sur cette énergie tendue et physique qui disent autant de la spécificité de l’art que des forces en jeu dans les sports de lutte.

Publié avec le musée des Beaux-arts de Calais.

Auteurs : Jean-Marc Huitorel, Christine Mennesson, Barbara Forest.
Descriptif : 16 x 22 cm, 128 pages, broché.
Langues : français, anglais.
Parution : mai 2011.
Isbn : 978-2-35864-025-1.
Prix public : 24 €.

Nicolas Boulard, The French Paradox

La singularité de la démarche artistique de Nicolas Boulard tient dans cet alliage, a priori insensé, de l’art avec le vin. Son lexique visuel s’articule essentiellement autour du vin et de ses modes de production – un contexte que l’artiste connaît précisément par sa propre histoire familiale. À la fois immatérielles et tangibles, précises et infinies, hypersensibles et anti-monumentales, ses oeuvres témoignent d’une lucidité certaine sur les systèmes de la viniculture, tout comme elles en proposent une relecture et une représentation en rupture avec la tradition.

Publié avec la galerie Xippas, le Frac Alsace et le Frac Champagne-Ardenne, avec le soutien de l’Orcca et du Cnap.

Auteurs : Marc Bembekoff, Christophe Kihm, Pierre Mercier.
Descriptif : 15,5 x 24 cm, 176 pages, broché, jaquette.
Langues : français, anglais.
Parution : avril 2011.
Isbn : 978-2-35864-021-3.
Prix public : 28 €.

Stéphane Pichard – Notes Video

La Mise en scène de la vie quotidienne, ce célèbre titre pourrait s’appliquer aux courtes séquences de Stéphane Pichard, à condition de préciser que ces mises en scène sont de cinéma et que c’est le regard porté sur elles qui donne une consistance à des gestes non remarquables. Ses films trouvent toujours en effet, par un choix de cadre ou un mouvement d’appareil, le moyen de suggérer que les aléas et les incidents pourraient avoir été réglés, voire dirigés. On oscille constamment entre le plausible et l’incertain. Par la succession de ces mises en scène fondées sur la rencontre et l’occasion, il est arrivé à construire et à affirmer une forme sur la durée.

Publié avec l’aide du Centre d’art contemporain Georges Pompidou, Cajarc et des Maisons Daura, résidences internationales d’artistes, Saint-Cirq-Lapopie.

Auteur : Patrick Javault  .
Descriptif : 15 x 24 cm, 72 pages, broché .
Langues : français, anglais.
Parution : mars 2011.
Isbn : 978-2-35864-020-6.
Prix public : 21 €.

Alexandra Sá _ catalogue

« Provisoire et définitif », « monde déréglé », « déséquilibre et résistance », « incongru et évident », « sens tremblé » : autant de précautions que prennent les regardeurs des œuvres d’Alexandra Sà et qui laissent entrevoir que quelque chose de spécifique et d’assez indéterminé se construit ici. Depuis les chutes au début des années 2000, le travail d’Alexandra Sà s’est immiscé dans des positions tout aussi inconfortables, qui dialoguent avec la fragilité et la force. À partir de l’exposition Des Activations au Forum de Blanc-Mesnil et des interventions de cinq auteurs, cet ouvrage parcourt une dizaine d’années de productions sous forme d’installations et de sculptures principalement.

Publié avec le Forum, scène conventionnée du Blanc-Mesnil.

Auteurs : Maëlle Dault, Daniel Dobbels, Nathalie Viot, François Michaud et Éric Degoutte  .
Descriptif : 16,7 x 23 cm, 96 pages, broché .
Langues : français, anglais.
Parution : février 2011.
Isbn : 978-2-35864-018-3.
Prix public : 21 €.

Richard Nonas, Fieldwork

Cent cinquante photographies en noir et blanc de l’atelier new-yorkais de Richard Nonas réalisées par l’artiste dévoilent son univers de travail et font de ce livre un lieu de sculpture. Dans l’atelier sont réunis oeuvres achevées, oeuvres en cours ou éléments, matériaux, outils et objets. Le passé d’anthropologue de l’artiste est présent dans cet antre et nourrit clairement son oeuvre de sculpteur.

Publié avec le Conseil régional Paca, l’atelier Archipel en Arles et la Réserve géologique de Haute-Provence, Digne-les-Bains.

Auteur : Richard Nonas.
Descriptif : 26 x 24 cm, 160 pages, broché.
Langues : français, anglais.
Parution : juillet 2010.
Isbn : 978-2-35864-016-9.
Prix public : 29 €.

Le travail de rivière

Le Travail de rivière est construit sur trois archéologies : la topographie du lieu qui accueille l’exposition et qui l’a inspirée, espace sous-terrain et labyrinthique, la mémoire du commissaire de l’exposition et la nature des œuvres elles-mêmes.
Le scénario réunit 48 artistes, 70 œuvres dans 4 white cubes en pente.

Publié en coédition avec le centre d’art contemporain d’Ivry – le Crédac.

Textes : Claire le Restif, Hélène Meisel et Céline Poulin.
Descriptif : 13 x 20 cm, 232 pages, relié .
Langues : français, anglais.
Parution : juin 2010.
Isbn : 978-2-35864-014-5.
Prix public : 24 €.

Isa Melsheimer

Catalogue de l’exposition au Carré d’art en 2010, cet ouvrage présente des œuvres nouvelles d’Isa Melsheimer, conçues pour l’exposition, et des œuvres plus anciennes. Pour Isa Melsheimer, la broderie est aussi une technique de dessin et d’écriture. Son exposition est conçue comme une installation spécifique dans le bâtiment de Norman Foster pour laquelle elle réalise de nouvelles tentures brodées portant des citations du roman de l’écrivain japonais Kobo Abé, L’Homme-Boîte. Elle s’appuie aussi sur un choix d’œuvres plus anciennes, datées de 2002 à 2009, qui expriment également cette idée d’un espace autre, caché, d’où viennent des regards que nous ignorons et qui nous observent. Très intéressée par l’architecture, Melsheimer développe une réflexion autour de l’espace à vivre tel qu’il a été identifié par l’architecture moderniste et se rencontre au quotidien dans la maison, mais aussi les galeries marchandes et les lieux intermédiaires utilisés par les sans-abris. Certaines œuvres récentes créées d’après les images de presse prises lors de l’effondrement du bâtiment des Archives de Cologne ou d’autres faits divers traitent les thèmes de l’instabilité et de la disparition dans notre monde occidental étroitement organisé. Ce thème renvoie aussi au fort intérêt de l’artiste pour les questions d’environnement et de responsabilité collective.

Publié en coédition avec Carré d’art, musée d’art contemporain de Nîmes.

Texte : Camille Morineau  .
Descriptif : 24,5 x 30,5 cm, 80 pages, relié .
Langues : français, anglais.
Parution : février 2010.
Isbn : 9-782358-640138 .
Prix public : 25 €.

La Première Image

La Première Image est une exposition et un livre qui se conjuguent et se confrontent à différents niveaux. Ils se retrouvent dans le glissement du sens entre le livre d’artiste, le livre d’images, le livre de texte ; entre le texte écrit et la parole, l’oralité et le signe, le silence et la mémoire, l’imprimé et le manuscrit. En associant le manifeste et l’étude au récit et à l’adresse subjective au lecteur, le livre et l’exposition se donnent comme un hommage indirect à la notion même d’essai. Depuis Montaigne l’essaie nous situe dans le glissement du sens vers le présent, vers la reprise de la parole par la différentiation de l’esprit qui ne cesse de s’incarner, comme cet hommage à l’ami mort qui ne vit que par cet essai de confronter le texte et le présent. L’exposition et le livre empruntent leur titre à l’un des derniers textes de l’écrivain Costas Taktsis, un ami mort pour toute une série de personnes qui serait prêtes à voir dans son œuvre une sorte de douce polémique similaire à ce que La Boëtie avait soulevé avec De la Servitude Volontaire. Le texte du même titre est reproduit dans ce livre comme une première image qui ne conclut de rien mais qui génère la coexistence de plein de tactiques indirectes afin de prendre ses distances, affirmer sa différence, réfuter le sens, accepter l’esprit ou simplement se rappeler une époque historiquement révolue aujourd’hui transformée. N’empêche que la lecture de toute la construction sociale, telle qu’elle apparaît dans ce texte en tant que leurre qui conduit à la servitude volontaire, est citée devant nous en tant que cette “première image” qui travestit en jeu de séduction la servitude qui se joue dans toute gestion du pouvoir sur l’autre et par le même dans la société. Cette première image offerte aux yeux des personnes dès l’age le plus tendre est dénudée ici non sans cruauté afin de provoquer un débat de fond sur le monde d’aujourd’hui. Exposition et livre interrogent la gestion des images, des mythes, des symboles, des comportements, des modalités existentielles, des négociations identitaires et des rhétoriques du spectacle, d’aujourd’hui. [Denys Zacharopoulos]

Une exposition et un livre de Denys Zacharopoulos. Publié avec le Centre régional d’art contemporain Languedoc-Roussillon, Sète, et le musée Macédonien, Thessalonique.

Textes : Costas Taktsis,  Denys Zacharopoulos  .
Descriptif : 17 x 24 cm, 160 pages, broché.
Langues : français, grec.
Parution : janvier 2010.
Isbn : 978-2-35864-011-4.
Prix public : 18 €.

Philippe Caurant

Philippe Caurant (né en 1965) commence à réaliser des peintures au pistolet sur papier puis sur toile dans l’atelier qu’il investit à Nantes à partir de 2003, après des résidences à Paris, Rotterdam et Glasgow. Ce livre, première monographie consacrée à son travail, reproduit des peintures produites entre 2007 et 2009. Le regard circule d’une peinture à l’autre et s’attache de temps en temps sur des détails. Philippe Caurant est lui-même très attentif à la distance entre le regardeur et la peinture dans l’espace de l’atelier comme dans l’exposition. La réserve, ou marge, sur le tableau a aussi été un élément déterminant dans la conception de cet ouvrage.
Les textes répondent à la singularité de cette peinture de manières très différentes. Denys Zacharopoulos, qui avait déjà exposé le travail de Philippe Caurant au Domaine de Kerguéhennec, centre d’art contemporain, en 1999, oppose à une analyse ou à une critique de l’œuvre la question même de la possiblité d’écrire sur la peinture. Pierre Giquel, critique d’art, et Xavier Noiret-Thomé, artiste, engagent quant à eux une discussion vive avec Philippe Caurant, qui entraine le travail dans un contexte historique à travers ses enjeux les plus picturaux.

Publié en collaboration avec la galerie Poggi, Bertoux associés, Paris, avec le concours du ministère de la Culture et de la Communication, Centre national des arts plastiques (aide au premier catalogue), et avec le soutien du Ring, artothèque de Nantes et de la galerie RDV, Nantes.

Textes : Denys Zacharopoulos, Pierre Giquel et Xavier Noiret-Thomé.
Descriptif : 17 x 24 cm, 96 pages, broché.
Langues : français/anglais.
Parution : janvier 2010.
Isbn : 978-2-35864-012-1.
Prix public : 24 €.

Martin Widmer, Phénoménologie de l’irrationnel

L’œuvre de Martin Widmer se développe de manière extrêmement empirique, presque scientifique dans sa précision et dans la constante remise en question de la forme et du rapport à l’œuvre. À elle seule, mais en même temps que celle de beaucoup d’autres artistes de sa génération, elle argue la condition contemporaine de l’art. Modernisme, postmodernisme et supermodernisme sont les fils historiques usités par l’un des auteurs, Jean-Christophe Blaser, pour inscrire cette œuvre dans l’histoire de l’art et de la société, tandis que Christoph Doswald qualifie la génération en question de néo-moderniste. Ils connaissent les enjeux du modernisme, reconnaissent l’existence du post-modernisme et proclament une place contemporaine pour l’art. Martin Widmer, tout en usant de formes et d’images aux références effectivement modernistes mais aussi quotidiennes, met en jeu l’art dans son rapport à ce qu’il a de plus contemporain : une situation topographique associée à la condition nouvelle de l’art dans les institutions qui constituent le territoire artistique, un contexte technologique qui outrepasse la seule question des moyens pour conditionner les modalités de fonctionnement de toute chose, des références cinématographiques et littéraires dans un large répertoire qui nourrit l’imaginaire et l’analyse critique, un positionnement dans la réalité quotidienne à travers l’ingestion d’une imagerie et par une distanciation presque poétique. Ces sources non exhaustives cumulées approchent l’œuvre d’une position quasi-sémantique et qui constitue le fondement de l’art finalement à travers les temps.

Publié en collaboration avec le Can, Centre d’art contemporain de Neuchâtel, Suisse. Avec le soutien de Pro Helvetia.

Auteurs : Jean-Christophe Blaser, Christoph Doswald, Arthur de Pury.
Descriptif : 17 x 24 cm, 144 pages, relié.
Langues : français, allemand.
Parution : décembre 2009.
Isbn 978-2-35864-009-1.
Prix public : 26 €.